Video e Instalación

La sesión del día 3 de Junio me pareció muy ilustrativa acerca de cómo el video y las imagenes en movimiento han adquirido aplicaciones cada vez más novedosas, ya no solo como un medio aislado, sino en conjunción con otros recursos como los trabajos de carácter tridimensional; su función ya no solamente consiste en ser, como se comentó, una "extensión" de los órganos visuales y basar su importancia en el aspecto de esa forma de percepción, sino que se establece un diálogo sumamente interesante con otros elementos plásticos como son el espacio, la forma, la luz y el color. Todo ello, a mi entender, refuerza notablemente cada uno de dichos recursos, los cuales, empleados de manera aislada, pueden no ofrecer tantas posibilidades creativas como cuando se integran en un todo organizado y coherente: los trabajos mostrados en clase, tales como Monoscape, Water Crossing y Floating Light, son claros ejemplos de cómo podemos aprovechar toda esa flexibilidad y versatilidad que las nuevas tendencias nos ofrecen para poder desarrollar proyectos de gran riqueza plástica, donde el espectador ya no es solamente un protagonista pasivo, sino que se le invita a ser partícipe de la obra, a involucrarse mucho más en ella y, por lo tanto, a darle un sentido distinto. El uso de distintos medios, materiales y espacios contribuyen tambien a establecer numerosas posibilidades de significación y estructuración de nuestro trabajo, invitándonos a profundizar cada vez mas no solamente en el terreno de las imagenes en movimiento, sino en todos los posibles caminos a explorar mediante su conjunción con todo aquello que pueda llevarlas a niveles cada vez mas complejos.

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En el presente video busqué enfocarme en ligar una serie de tomas que constituyeran una narrativa susceptible de ser interpretada libremente y de maneras distintas por parte del observador. Otro aspecto con el cual experimenté fue el del manejo de los planos, con la intención de lograr una cierta gestualidad mediante los movimientos y acciones por parte de la persona que aparece en la grabación, los cuales permitan, por así decirlo, visualizar no tanto lo que está sucediendo, sino lo que pasó antes o lo que ocurrirá después; dicho de otra manera, me interesa desarrollar una narración que de pie a la construcción de otras narraciones.

Cronos

En el presente ejercicio decidí realizar tomas de un solo objeto en movimiento dentro de un plano totalmente estático. Aunque aquí no puede hablarse de una narrativa en el sentido estricto del término, sí intenté darle al video un contenido de carácter alegórico, relativo, tal y como su nombre lo indica, al paso del tiempo; para ello tomé como referencia las pinturas barrocas de naturalezas muertas realizadas durante el siglo XVII, denominadas "vanitas", las cuales abordaban, desde el aspecto pictórico, una temática semejante. Me interesó hacer una version de dichas obras mediante el empleo de las imagenes en movimiento.

Soñando...

Este video consiste en una serie de tomas nocturnas realizadas tanto en exteriores como en interiores, con las cuales busqué articular un conjunto coherente y comprensible donde se establece, de cierta manera, un discurso y una narrativa que, a diferencia del ejercicio anterior, sean claramente comprensibles para el observador mediante la posibilidad de una lectura sencilla que conduzca a una interpretación relativamente uniforme del tema en cuestión. En este ejercicio, el movimiento es relativamente escaso, ya que preferí hacer uso tanto de un paneo lento como de tomas estáticas, intentando colocarme en la perspectiva del "personaje" que "contempla" todo lo que sucede en el video.

Flor Galáctica

En este ejercicio busqué dejar de lado el sentido narrativo, enfocándome solamente en los aspectos del movimiento, la luz y el color; permitiendo que dichos elementos funcionen por sí mismos, creando cierto tipo de atmósferas y eliminando, hasta donde fuera posible, toda referencia al lugar donde realicé la grabación; ello con el objeto de poder realizar una asociación propia con aquello que observamos, sin ningún contenido anecdótico que pudiese interferir en ella. Por otra parte, también me interesó abordar lo que hemos llamado el aspecto "pictórico" de las imagenes en movimiento.

Zee

El trabajo que el artista Kurt Hentschläger presentó en el Laboratorio de Arte Alameda, ciertamente puede prestarse a opiniones sumamente encontradas, pero es indudable que se trata de una forma poco usual de presentar una obra al espectador, así como de emplear distintos medios audiovisuales que nos involucren radicalmente con aquello que observamos. Personalmente, aunque el empleo radical de elementos lumínicos y sonoros me pareció hasta cierto punto molesto, considero interesante la forma en que Hentschläger se vale de dichos recursos para modificar la manera en la que usualmente se nos presenta una pieza, con lo cual quizás también cuestiona nuestra habitual idea de que una obra de arte debe forzosamente resultar "agradable" en cuanto al aspecto sensorial. Por otra parte, no comprendí plenamente si toda esa serie de prevenciones y recomendaciones hacia el público son sencillamente una precaución tomada por los organizadores y los responsables del recinto, o si bien obedece a una intención premeditada por parte del artista... si es así, resultaría muy ilustrativo observar cómo el autor programa no solamente todos aquellos recursos técnicos de los cuales se vale para realizar su propuesta, sino cómo también probablemente nos guía o nos predispone intencionalmente para llevarnos exactamente a donde él pretende. Leyendo otros comentarios, llama mi atención el hecho de cómo una misma obra se interpreta y se vive de formas sumamente diversas, convirtiéndola en un trabajo en constante cambio, el cual se transforma inevitablemente conforme cada individuo se involucra con él; creo que ello rompe con muchas limitantes de otros medios, ya que, de cierta manera, cada uno de nosotros, más que contemplar o percibir algo determinado, lo construye conforme a su particular experiencia, creando con ello una gran variedad de facetas dentro de un mismo trabajo.

La noche de las gaviotas

En éste tercer ejercicio de stop motion, decidí realizar la animación ya no con objetos, sino empleando solamente el dibujo. Aunque no logré todo el movimiento deseado, quise experimentar con éste procedimiento, que me interesaría bastante desarrollar en un futuro, pero, como ya se mencionó, por el momento conviene enfocarse en salir y capturar otro tipo de imágenes en movimiento, así como realizar los ejercicios que se requieran. Pido disculpas por los cambios bruscos de iluminación en el ejercicio que ahora presento; fué un proceso algo tardado a pesar de la simplicidad del resultado, y la luz variaba a lo largo del día... quizás debí usar una fuente lumínica constante o trabajar solamente a ciertas horas... ojalá alguien pueda aclararme cómo proceder correctamente en éste tipo de trabajos.

"... Nada quedó del pequeño pueblo en el que crecí... la noche cayó, la luna llegó, y el fuego todo, todo se llevó..."

Sobre el performance y el video

Los videos mostrados en la clase del día 11 de Marzo nos muestran una faceta muy diferente del medio que estamos estudiando, así como una posibilidad más en la elaboración de proyectos. Hasta donde comprendí, en los trabajos de gente como Laurie Anderson y William Wegman, lo fundamental es la acción que el artista lleva a cabo, siendo ésta misma la obra como tal, pasando la grabación a ser una especie de registro mediante el cual se documente todo lo realizado y no quede simplemente como un acto de carácter efímero. Tengo dudas sobre si ésta interpretación es correcta o estoy abordando la cuestión desde un punto de vista equivocado, pero, en lo particular, las obras de dichos artistas me agradaron bastante, aunque debo admitir que no alcancé a comprenderlas del todo, por lo cual tal vez resultaría útil ver los videos y posteriormente dar una explicación sobre los mismos, aclarando cuál es exactamente el discurso e intención del autor, así como el significado del trabajo. Supongo que si se pretende realizar grabaciones de ese género, es fundamental hacer todo un trabajo de conceptualización y justificación previo, pues probablemente se corre el riesgo de que el resultado final no sea del todo claro y dé la impresión de caer en el absurdo, generando el ya habitual comentario de que al fin y al cabo prácticamente "cualquier cosa" puede pertenecer al terreno del arte. En el caso particular de Laurie Anderson y su obra "O Superman", me pareció interesante el uso de múltiples recursos como las imagenes en movimiento, la música y la "actuación" de la propia artista, aunque, como ya mencioné, no me queda del todo claro cuál es exactamente su intención y qué aspecto de la pieza resulta más decisivo: no sabría decir si es el video como tal o son las acciones dentro del mismo lo que tiene mayor peso, quedando la grabación como el registro o documentación de la cual hablé más arriba, o bien si Anderson buscó un equilibrio entre todos los aspectos que constituyen su trabajo, sin dar prioridad a alguno en particular ni encasillarlo dentro de una definición específica. Sea como sea, los videos presentados me dieron bastantes ideas con las cuales me gustaría experimentar; en mi opinión, nos demuestran las muchas posibilidades que las imágenes en movimiento nos ofrecen, así como los múltiples planteamientos que el artista puede establecer si se mantiene abierto a todo aquello que pueda sugerirle nuevas y variadas formas de llevar a cabo su trabajo.

Del azul del cielo al negro de la nada

El ejercicio que ahora presento fue elaborado con base en una serie de tomas realizadas a lo largo de todo un día, tanto en exteriores como en interiores, buscando grabar desde distintos ángulos e intentando aplicar una vez más algunos de los aspectos mencionados en el último texto. Aún no me siento del todo seguro en cuanto al manejo de la cámara, pero creo que poco a poco comienzo a familiarizarme con ella, así que continuaré practicando... Sé que algunos de los videos hasta ahora publicados poseen un carácter evidentemente narrativo, por lo cual tengo pensado hacer ejercicios diferentes, en los que no necesariamente exista una pequeña historia o anécdota de por medio sino que tengan otro sentido; en mi opinión, hay bastantes opciones interesantes que pueden ser exploradas. Por otra parte, me agradaría profundizar más en el aspecto de la técnica, dado que la calidad de la imagen en mis grabaciones francamente no me ha resultado muy agradable; quizás también sea un error realizar tantas tomas estáticas, así como introducir fragmentos demasiado largos que probablemente convenga reducir... espero corregir progresivamente dichas cuestiones.

En cuanto a la temática de mi video... no sé... hay momentos en los cuales pienso que el auténtico arte del hastío, el vacío y el aburrimiento es, en realidad, nuestra propia existencia...

La Espera

En éste ejercicio decidí combinar tomas realizadas en un exterior con otras de interiores. El video narra una situación que, en éste momento, es parte de mi cotidianeidad... Aunque ciertamente las condiciones lumínicas del cuarto en el que trabajé no beneficiaron mucho el resultado final, sí intenté poner en práctica algunos aspectos mencionados en el último texto que el profesor Di Castro publicó, tales como el manejo de distintos encuadres, acercamientos y desplazamientos(tilt, paneo, travelling) así como el manejo por planos, buscando la interacción entre el sujeto y la cámara comentada en clase. Así mismo, tuve la intención de hacer uso de algunas imágenes asociadas para ligar un elemento del ejercicio con otro. Lo más probable es que, debido a mi falta de experiencia en el empleo de la cámara, entre otras razones, no lo haya logrado como era de esperarse, pero seguiré practicando e instruyéndome para mejorar la calidad de las entregas posteriores... Una vez más integré una pista de audio al video, combinada con un fragmento de los sonidos que se escuchaban al momento de la grabación.

Stop Motion 2

A continuación presento un segundo ejercicio de stop motion, elaborado a partir de 382 fotografías. Para ello realicé una mayor preparación previa, que implicó definir una idea con claridad, elegir los objetos a emplear, realizar bocetos y tomar las imagenes para finalmente trabajarlas en Movie Maker. También opté por adaptar una pista de audio al ejercicio, mismo que, sin embargo, sufrió modificaciones a lo largo del proceso y no resultó completamente fiel a mi idea original...

Video Urbano 2

En esta filmación de exteriores intenté concentrarme en ciertos movimientos clave que, como se comentó en clase, contribuyeran a concentrar nuestra atención en un punto o suceso específico. Decidí añadir también algún efecto en el video, así como el fragmento de una canción que se complementara con el mismo

Flipbook

El flipbook que a continuación se presenta está elaborado con base en dibujos sencillos de tipo lineal. Aunque ya se comentó que la animación de ésta clase no es prioritaria dentro del curso, me agradaría que pudiéramos profundizar por lo menos un poco en ella, a modo de paréntesis. Tengo planeado realizar otro flipbook de corte más realista que publicaré a la brevedad.

¿Guión o no guión?

Respecto al debate en clase sobre si es conveniente elaborar un guión o, en otros términos, realizar una planeación previa de un proyecto, considero que ello, aunque no es necesariamente de carácter obligatorio, sí resulta de gran ayuda en el desarrollo de nuestros trabajos, ya que al analizar anticipadamente las posibilidades y distintos caminos que podemos seguir, así como al estructurar adecuadamente una idea, me parece que la posterior elaboración del proyecto como tal resulta relativamente sencilla, dado que al quedar establecidos los objetivos que buscamos, así como los métodos y recursos necesarios para ello, tenemos mayores oportunidades de ser certeros en cuanto al resultado que esperamos. Sin embargo, el problema quizás podría plantearse desde una perspectiva contraria: seguramente hay quien prefiere no realizar planeación alguna o, en su defecto, llevarla a cabo lo menos posible y dejar que sean la improvisación e inclusive el azar los aspectos con mayor peso en su trabajo; claro está que cualquiera de las dos posturas requiere una justificación apropiada y, cualquiera que sea nuestra elección, ella debe responder a un propósito concreto, dejando claros los argumentos para hacer una planeación o no hacerla.

En mi opinión, mientras más conocimiento y experiencia tengamos en el manejo de un medio determinado, podremos ser más sensatos al tomar dichas decisiones, y al ser mayor nuestro dominio de aquello que utilizamos, mejor podremos saber exactamente por qué elegimos ésto o aquello. En el caso del video, en lo personal, y al menos por el momento, sí me inclinaría a realizar, en la medida de mis posibilidades, un guión o planteamiento previo, ya que al no poseer experiencia en la materia, veo en ello una manera de facilitarme el trabajo: al definir anticipadamente qué es lo que pretendo realizar, qué necesito para ello y cómo voy a realizarlo, siento que buena parte del problema se resuelve y puedo centrarme más en otros aspectos como la técnica y el manejo de las herramientas. No sé si sea una idea del todo acertada, pero me parece que buena parte de esa planeación, sobre todo en la clase de video, quizás consista en adquirir el hábito de observar constante y detenidamente lo que a nuestro alrededor ocurre, estando atentos a cualquier suceso o detalle que se preste a ser objeto de nuestra actividad, ya que muchas veces las ideas pueden surgir en los lugares y momentos menos esperados, por lo que tal vez podríamos decir que algo en apariencia "no previsto" sí se prevée de cierta manera al tomar conciencia de que puede pasar y podemos aprovecharlo.

Como el profesor Di Castro mencionó acertadamente, el actuar con premeditación, alevosía y ventaja puede muchas veces darnos una base segura sobre la cuál trabajar, así como resultados más satisfactorios y coherentes, sobre todo cuando nos iniciamos en una materia con la que estamos poco familiarizados. Sin embargo, en otras disciplinas como la pintura, la gráfica, etc., he notado que, al menos en lo que a mí respecta, a pesar de toda la planeación que uno pueda establecer, el trabajo siempre sufre modificaciones a lo largo del proceso, y el resultado no suele ser lo que se imaginó en un principio: algunos de esos cambios pueden ser de nuestro agrado y otros no serlo, pero ello es, a mi entender, parte del proceso de aprendizaje y aspectos necesarios para adquirir mayor experiencia, tanto en el desarrollo de nuestros planteamientos como en nuestra capacidad de saber emplear a nuestro favor todo aquello que solemos pasar por alto.

Comentario sobre el cine experimental

Las imágenes en movimiento se revelaron rápidamente como una alternativa sumamente viable para numerosos artistas, quienes quizás vieron en ellas una forma de llevar a cabo una ampliación considerable de sus recursos plásticos, su lenguaje visual y por consiguiente de su obra; ello resultó sin duda de gran importancia en la primera mitad del siglo XX, cuando hubo un desarrollo de múltiples y variadas tendencias que buscaban, desde sus respectivas trincheras, llevar el arte por nuevos derroteros: se planteaban formas distintas de abordarlo, pero a mi parecer, existía aún una gran dependencia de los medios y las disciplinas tradicionales, mismos que ya habían sido explorados hasta la saciedad y por lo tanto resultaban cada vez más difíciles de ampliar. Claro está que actividades como la pintura y la escultura no dejan de plantear nuevos problemas y caminos a explorar, pero quizás deberíamos intentar situarnos, así sea de forma imaginaria, en una época donde verdaderamente comenzaba a darse un rompimiento con los modelos establecidos a lo largo de siglos y algunos grupos, como los dadaístas, cuestionaron inclusive el sentido de la actividad artística. Gente como Marcel Duchamp y Man Ray se valieron del cine experimental para realizar obras que, en su tiempo, debieron de haber resultado muy inusuales y hasta incomprensibles para muchas personas, inclusive hasta para algunos artistas; ello, sin embargo, respondía en cierta medida a la propuesta del grupo dadá en el sentido de hacer a un lado todo elemento lógico, narrativo y metafórico, la idea del buen o el mal gusto, para buscar, por el contrario, la completa libertad creativa, no solo para ejecutar, sino para justificar y legitimar lo que se ejecuta. Quizás sea una interpretación equivocada, pero el título del filme "El regreso a la razón" me hace pensar que tal vez uno de los aspectos más importantes en la labor del artista consista en -valga la expresión- no ser demasiado racional.

Un manejo distinto del cine experimental puede verse en el trabajo de Oskar Fischinger, quien lo empleó, a mi parecer, como una extensión de la labor pictórica, donde aún resultan decisivos los elementos compositivos, rítmicos, formales, y evidentemente el sentido cromático. Creo que ello fue una solución interesante y propositiva, que, como mencionó Hans Richter, considera tanto las posibilidades como las limitantes de la pintura y de las imágenes en movimiento, logrando con ello una asociación provechosa de las mismas. Otro autor que llamó mi atención fue Viking Egelling, sobre todo en su Sinfonía Diagonal, donde logra una gran variedad de composiciones o, mejor dicho, una sola gran composición en transformación constante, donde se demuestra una de las ventajas de las imágenes en movimiento frente a una imagen estática. Aunque la no narración es una constante en los trabajos de dichos artistas y de otros como Lászlo Moholy Nagy, Len Lye, Walter Ruttman, Fernand Léger y Maya Deren, considero que cada uno de ellos finalmente sí establece un discurso particular, ya que al inclinarse por una u otra faceta del cine experimental, están mostrando una tendencia, están cuestionando otras, y principalmente están en busca de otras alternativas, como se mencionó al principio. En el caso de creadores como Marcel Duchamp y Salvador Dalí, me resulta interesante e instructivo observar cómo artistas tan fecundos en recursos, habilidades e ideas, supieron servirse eficaz y propositivamente de prácticamente cualquier medio o herramienta que cae en sus manos, adaptándolos a sus propias ideas, y, sobre todo, supieron mantenerse siempre receptivos a todo aquello que, como el cine experimental, les ayudara a ir cada vez más lejos en el desarrollo de su obra y fuese un aliciente, no una limitante, para alcanzar sus propósitos.

Video Urbano

Filmaciones en exteriores diversos

Stop Motion

ejercicio sencillo a partir de 98 fotografías

Reflexión sobre las imágenes en movimiento

La invención de la cámara fotográfica y el desarrollo posterior de las imágenes en movimiento resultaron ser indudablemente un parteaguas en el desarrollo de las artes visuales. Aunque en sus inicios dichos medios poseían un carácter esencialmente documental, pronto comenzaron a mostrar enormes posibilidades al ser trasladados al ámbito artístico: lo que pretendía en un principio cumplir con una función de registro e investigación fué adquiriendo nuevas aplicaciones hasta llegar a desarrollar una forma de expresión sin precedentes, liberando la representación del mundo visible de su larga estaticidad, ofreciendo una manera radicalmente nueva de contemplar el mundo que nos rodea. Con ello, los artistas adquirieron poderosas herramientas que les permitieron explorar nuevos caminos y abordar su labor desde una perspectiva anteriormente inconcebible, liberándose de convenciones y limitaciones establecidas tras siglos de tradición; al surgir éstos nuevos medios de creación, se comenzó a cuestionar seriamente el papel y las limitaciones de las disciplinas artísticas usualmente aceptadas, dando inicio a lo que bien podría llamarse una nueva era en la historia del arte, no solamente en lo concerniente a los avances tecnológicos, sino en cuanto a la forma de entender y legitimar la actividad artística. Si tomamos en cuenta que las imágenes en movimiento poseen escasamente un siglo de existencia -lapso breve si se comparan con otros medios como la pintura y la escultura-, cabría preguntarse hasta dónde llegará su desarrollo en el futuro, considerando el avance constante de la tecnología así como la demanda cada vez mayor de propuestas y recursos artísticos novedosos. Como se comentó en clase, la imagen en movimiento y concretamente el video, se encuentra ciertamente en la etapa inicial de su desenvolvimiento, siendo muy probable que vaya adquiriendo una importancia cada vez mayor, y con el tiempo se convierta, junto con otras formas de producción , en herramienta ya no innovadora, sino fundamental dentro de la labor artística. Analizando las múltiples facetas que han tenido en un corto período de tiempo, desde los trabajos de Edward James Muybridge, D.W Griffith, Alfred Hitchcock, Man Ray, S. Einsenstein, Dziga Vertov, Viking Egelling, Hans Richter, Oskar Fischinger y otros autores de principios de siglo XX hasta las producciones actuales, podemos darnos cuenta del potencial existente en el manejo de las imágenes en movimiento.

Personalmente, debo admitir que lo anterior constituye para mí algo totalmente nuevo. Mi conocimiento y experiencia en la materia son prácticamente nulos: desconozco casi por completo el manejo de las herramientas necesarias para realizar ésta clase de trabajo y son contadas las obras con él relacionadas que he tenido oportunidad de observar; ello quizás se deba a que mi interés se ha enfocado en disciplinas como la pintura, el dibujo y la gráfica. Sin embargo, estoy convencido de que es fundamental para un artista, sobre todo en la actualidad, apropiarse de todos los recursos y herramientas capaces de ampliar y enriquecer su trabajo, así como de proporcionarle un lenguaje más amplio que le permita desenvolverse con mayor libertad y eficacia: considero de suma importancia la necesidad de profundizar y adquirir un conocimiento suficiente dentro de las diversas disciplinas en las artes plásticas y visuales, sin que ello implique necesariamente una confrontación entre las mismas, ya que indudablemente pueden complementarse unas con otras. En ese sentido, llamó mi atención el trabajo de Oskar Fischinger, quien de cierta manera logra conciliar una obra esencialmente pictórica con las imágenes en movimiento.

A mi entender, ninguno de los medios actualmente disponibles carece de utilidad ni resulta obsoleto; cada uno de ellos presenta sus propias ventajas, sus propias limitaciones, y creo necesario desarrollar un criterio adecuado que nos permita discernir apropiadamente cuándo, cómo, por qué y para qué emplearlos, cuándo resulta factible complementarlos y cuándo funcionan mejor de forma independiente. En los comentarios de otros compañeros, alguien mencionaba que, en ésta época, la tecnología, y en específico los medios electrónicos, determinan el camino a seguir por los artistas. Personalmente difiero de dicha opinión: desde mi punto de vista, son los artistas quienes determinan su propio camino, siendo los medios herramientas y recursos de los cuales se sirven para alcanzar sus propósitos particulares; independientemente del peso que pudean tener las tendencias del momento, sean cuales sean, cada quién tiene la libertad e incluso el deber de seguir su propia visión, teniendo siempre en cuenta que ésta es solo una entre muchas formas de entender y realizar las cosas. Si en nuestros días se aboga por un arte multidisciplinario en el cual se ven involucradas tanto las disciplinas tradicionales como aquellas que podríamos denominar "emergentes", resultaría conveniente mantenerse abierto a todo tipo de manifestaciones artísticas que enriquezcan dicha visión y generen un debate constructivo que a todos beneficie.

Volviendo al tema de las imágenes en movimiento, quizás resultaría conveniente que algunas de sus vertientes, como el video, recibieran una mayor difusión, no solo entre el público, sino entre los propios estudiantes de arte, ya que, como en mi caso, muchas veces no conocemos cabalmente las posibilidades y ventajas que pueden ofrecernos, ni su situación y desarrollo concretos dentro del arte contemporáneo. Así como las disciplinas tradicionales son aún prioritarias en la enseñanza artística, debe dársele también a los nuevos medios su justo valor e importancia, acorde al papel cada vez mayor que juegan en el ámbito artístico de nuestra época particular.

Juan Alejandro Hernández Herrera. 18/2/10.